Día Nacional de Fribperie (17 de agosto) coinciden con outras vacacións inusuales como o día Xogar o seu ukulele ( 2 de febreiro) eo arroz crispy trata o día (18 de setembro). Aínda que pretendía celebrar con lixeireza un hábito comercial aceptable, o proceso de fabricación de ocasións tendas implicadas defensores inusuales.

imaxe

Como describo no meu recente libro “De boa vontade a grunge”, as tendas de arranque xurdiron a finais do século XIX cando as organizacións dirixidas por cristiáns adoptaron unha nova filantropia Modelos (e axudou a rehabilitar a imaxe de tendas de segunda man dicindo as súas tendas de Bric-à-Brac).

Hoxe ‘hai máis de 25.000 tendas de revenda en Estados Unidos. As celebridades adoitan presumir das súas puntuacións occidentais, mentres que os músicos eloxiaron produtos desgastados en cancións como Fanny Brice (1923), éxito “Second-Hand Rose” e Macklemore e Ryan, “Thrift Shop”, 2013 edición.

Con todo, nos últimos 100 anos, os artistas visuais probablemente merecen o maior crédito para o lugar de aforro de compras no ámbito cultural.

dun escultor bastante esculpido de 1917 Marcel Duchamp ao “Papa do reciclo? Bin “, onde o director John Waters popularizou un cosméticos do lixo, os artistas visuais estiveron a buscar a oportunidade de atopar unha inspiración creativa, mentres usalos para criticar as ideas capitalistas.

gloria ao rexeitamento

Durante a Primeira Guerra Mundial, os artistas de vangarda comezaron a usar obxectos descartados – roubados ou recollidos, ou comprados en Flea e Friperie Mercados – para loitar co a crecente comercialización de arte. André Breton, Marcel Duchamp e Max Ernst estiveron entre os primeiros en transformar obxectos lanzados en obras de arte coñecidas como “preparados” ou “atopados” ou para canalizar a inspiración destes bens nas súas pinturas e os seus escritos.

Coincidindo con (e emerxendo) o movemento anti-artístico artístico Dada, que rexeitou ferozmente a lóxica e estética do capitalismo, o movemento que rodea esta elevación de obxectos usados pronto un nome pronto tería: Surrealismo.

No seu libro semi-autobiográfico de 1928, “Nadja”, Bretón, “Pai do Surrealismo”, describe a compra de segunda man como unha experiencia trascendente. Os obxectos lanzados, escribiu, foron capaces de revelar “Lightning Lights que farían, realmente ver”. Exiliado polo goberno francés en Vichy na década de 1940, Breton instalouse en Nova York, onde buscou inspirar a outros artistas e escritores. Levándoos ás tendas de Aubaine e aos mercados de pulgas de Manhattan inferiores.

Mentres a “fonte” de Duchamp pode ser a obra escultural máis famosa derivada dun obxecto atopado, a súa “roda de bicicleta” está lista (1913) ) aparece incluso antes. O “agasallo” do Man Ray (1921) tiña un ferro plano diario cunha liña de erro de bronce fixado na súa superficie. Mentres os homes parecían dominar o surrealismo, as fontes recentes enfatizan a importancia do baroneno Elsa von Freytag-Loringhoven, que, segundo os eruditos, poderían ofrecerlle a Duchamp o seu famoso urinario ao permitirlle colaborar na “Fontaine” A baronesa excéntrica e talentosa creou “Deus” (1917), un sifón de metal en ferro fundido, o mesmo ano onde Duchamp presentou “Fountain”.

imaxe

A estética da imperfección

Surrealismo experimentou a súa maior renombre nos anos 1920 e 1930, cos seus preceptos que abarcan todo de poesía á moda. Entón, na década de 1950 e 1960, a cidade de Nova York viu unha estética estética vangarda, que incluía obxectos descartados ea resurrección de temas temáticos e personaxes de “The Golden Age”. Película de Hollywood. O estilo fíxose coñecido como “campamento”.

A principios dos anos 60, o teatro do ridicio, unha especie de produción teatral subterránea e avant-garde, floreceu en Nova York. Amplamente inspirado no surrealismo, ridículos ridices coas tendencias dominantes do xogo de actores naturalistas e conxuntos realistas. Entre os elementos importantes había parodias de temas clásicos flexionando o xénero e unha orgullosa estilización.

O xénero depende en particular sobre equipos usados para traxes e decoración. Actor, artista, fotógrafo e Fiéast Underground, Jack Smith percíbese como o “pai do estilo”.O seu traballo creou e caracterizou a sensibilidade ridícula, e el confiou case obsesivamente en materiais usados. Como Smith dixo un día: “A arte é unha tenda de aforro de departamento”.

Probablemente sexa máis coñecido pola súa película gráfica sexual “criaturas de chama” de 1963.Sensor unha censura asustada con primeiros planos flácidos e tetas sacudidas, a película converteuse no punto cero das batallas anti-pornografía. As súas manifestacións surrealistas de estrañas interaccións sexuais entre homes, mulleres, travestis e hermafrodita resultaron nunha nutrida orxía de drogas.

Segundo Smith, “as criaturas flamantes” causaron desaprobación non por mor das súas accións. Sexual, pero porque da súa estética imperfección, incluíndo o porto de roupa antigas. Para Smith, a elección de roupa rasgada e desactualizada era unha forma de subversión máis grande que a ausencia de roupa.

Como Susan Sontag resalta-lo na súa famosa avaliación do campo, o xénero non é só unha sensibilidade á luz e burla .. É máis ben unha crítica do que é aceptado e que non é. O traballo de Smith refutou a tendencia reflexiva dos artistas para buscar novidade e novidade, e axudou a popularizar unha estraña estética que continuou en grupos como The New York Dolls e Nirvana. Smith inspirouse nunha longa lista de artistas, Andy Warhol e Patti Smith para Lou Reed e David Lynch.

Ice e Mendié

En 1969, artigos de l enorme caché de obxectos Smith usados , incluíndo vestidos de cámara das baterías de 20 anos e Boas, atopou o seu camiño cara aos armarios dunha troupe arrastre psicodélica de San Francisco, os cocones. O grupo coñeceu un ano de popularidade tola, mesmo marcando un espectáculo moi esperado da cidade de Nova York, tanto polos seus traxes económicos como para as súas producións satíricas orixinais. O término “Genderfuck” chegou a significar a estética do grupo de homes barbudos, conxelados e mendigos, estilo encarnado polo lendario xefe dos cockets, hibisco.

imaxe

Os cockets separáronse ao ano seguinte nunha disputa sobre a admisión do acusado, pero os seus membros continuaron a influír na cultura e estilo americano. O ex membro das Cockettes, Sylvester, converteríase nunha estrela do disco e un dos primeiros músicos de homosexuais abertamente. Divino, posteriormente un membro do Grupo Cockette, converteuse na aclamada musa de John Waters, nunha serie de “películas de lixo”, incluíndo “Hairspray”, que informou de 8 millóns de dólares no mercado interior, o que non se converteu nun ridículo teatral corrente. Naquela época, un uso estético repugnante de bens usados converteuse nun símbolo de rebelión e unha expresión de creatividade por incontables fillos da clase media.

Hoxe, para moitos, a compra de aforro é un hobby. Para algúns, é unha forma de perturbar as ideas opresivas sobre o xénero e a sexualidade. E para outros, o aforro é un xeito de reutilizar e reciclar, un medio de subliñar o capitalismo tradicional (aínda que algunhas cadeas de aforro xigantescas con prácticas de traballo controvertidas tenden a coller os maiores beneficios monetarios).

á cabeza de A carga, os artistas asociaron artigos de segunda man con creatividade individual e un desdén comercial. O que comezou cos surrealistas continúa hoxe con hipsters, entusiastas vintage e estudantes de posgrao que celebran as opcións ofrecidas e potencial para a economía de residuos eliminados.

Leave a comment

O teu enderezo electrónico non se publicará Os campos obrigatorios están marcados con *