• composición, análisis de canciones

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compuesto por Hans Zimmer, la canción es la banda original de la película de inicio. ¿Cuáles son los secretos que se esconden detrás de este trabajo? ¿Cuáles fueron las técnicas de composición utilizadas por Zimmer? Y en general, ¿cuáles son los procesos utilizados por este inmenso compositor? Descúbrelo en el resto del artículo.

. Nota: este artículo ha sido escrito en la ayuda de Clement, Fundador del sitio Lecompositor.com y autor del manual del pequeño compositor inspirado. Gracias por su intervención. ¡Gracias a su ayuda, pude liberarme más tiempo para beber cócteles en las playas de Bora Bora que trabajan en mis proyectos Hyper Secret que pronto llegarán al blog! En esto, te dejo entre sus buenas manos. Buenos amigos leyendo. ;)

.introducción

En primer lugar, quería agradecer a Alex para invitarme en su sitio. Este artículo es el fruto de nuestra colaboración. Espero sinceramente que lo complacerá y que aprenderá muchas cosas.

En esta publicación, analizaremos juntos la banda original de la película de inicio: «Tiempo» de Hans Zimmer. Además de conocer un poco más sobre este trabajo importante, este artículo tiene como objetivo explicar algunas de las técnicas de composición de Zimmer: un artista hoy en día consideró uno de los compositores musicales más grandes de las películas. Veremos qué hace su fuerza, su estilo, y lo que permite que sus composiciones sean tan grandiosas. En otras palabras, nos pondremos en su cabeza (haremos un inicio ^^), para romper todos sus secretos. Finalmente, aprovecharemos esta oportunidad para aclarar algunos grandes principios de la composición de la música de la película.

Entonces, el artículo es muy largo, pero creo que con Alex usualmente. ;) Sin embargo, le aconsejo que lo leíste bien hasta el final, porque eso es lo que aprenderá al respecto:

  • Cómo traducir una idea o emoción en música
  • Dos ingredientes para que su melodía sea más eficiente y dinámica
  • una técnica ninja para hipnotizar a sus oyentes y hacer de su compuesto compuesto
  • una forma segura de romper la monotonía de su composición
  • Algunos principios de orquestación grandes
  • y, por supuesto, el secreto detrás del éxito de las composiciones de Hans Zimmer (si, si, lo hacemos, logramos ¡Discoverlo!)

Zimmer-Hans Hans Zimmer aprueba este programa

.I / presentación del trabajo

1) El autor: «Sr. Hans Zimmer»

incluso si creo que Ya lo sabemos (o al menos a través de sus obras), aquí hay una presentación rápida del tipo:

  • Hans Zimmer es un compositor alemán y naturalizado estadounidense . A los 3, intenta al piano, pero realmente no se adhiere. Así que deja caer, no estudies el solfege, y aprende la música en autodidacta pura. En la década de 1970, alrededor de 25 años, estaba interesado en la música electrónica emergente e integra al grupo los bugles, conocidos en todo el mundo por su video de título mataron a la estrella de radio. Sí Sí, esta canción es. Puedes verlo en el clip de dicha canción alrededor de 2’30 ». (Es el tipo vestido de negro que se encuentra detrás del piano).
  • Él comienza su carrera como compositor de películas de música como asistente . Después de 18 Ost como co-compositor, comienza a ser visto del público en general gracias a la banda original de la película de Lluvia Original que será nominada a los Oscar.
  • Después de eso, es el ascenso. El señor Zimmer se vuelve muy codiciado y funciona con más y más directores importantes. Luego acumula las recompensas: Oscar, premios Grammy, Golden Globe, todo va allí.
  • por día tiene más de 150 bandas originales a su crédito solo por el cine. Agregue a que las producciones firmaron para TV y videojuegos, y entenderá por qué ahora se considera uno de los mejores compositores de su generación.

2) La canción: hora

Si no conoce el tiempo, no lo culpo, pero no lejos. ;) Aquí es la posibilidad de ponerse al día rápidamente:

Esta música es la composición emblemática de la película de inicio lanzada En 2010. En este proyecto, Hans Zimmer trabajó con el director Christopher Nolan. Y ya es su tercera colaboración después de que Batman comience y el oscuro Kight.

para aquellos que aún no han visto puestos, aquí está la sinopsis. (Esto es importante conocer el contexto scriptárrico del trabajo. Te ayudará a comprender mejor las opciones artísticas de Hans Zimmer para la composición de su banda sonora).

«Dom Cobb es un ladrón experimentado, lo mejor en su campo: la extracción. Su especialidad es apropiarse de los secretos más valiosos de que nadie los saca de su subconsciente mientras sueña.

Mientras que la policía estadounidense le ofrece la oportunidad de encontrar su vida útil a cambio de un trabajo considerado imposible: el inicio. A la inversa de la extracción, es la Establecimiento de una idea extranjera en el subconsciente de un tema que lo considerará a su despertar como uno de sus … «

aquí es también el remolque de la película:

.i / intención artística

1) lo que es ¿Es esa intención artística?

Cuando tenemos la misión de vestir una película musicalmente, hay algo particularmente importante para dominar: la intención artística.

¿Cuál es la intención artística? Es simplemente la elección del artista. Es todas las decisiones estéticas y conceptuales que deberá tomarse de acuerdo con el tema que se impone. Para decirlo más simplemente, es su pata. Esto es lo que traerá personalmente al trabajo audiovisual.

2) La intención artística de Nolan

en el marco de la música de película, el La intención artística no es específica para el compositor. El director también puede tener una opinión sobre la orientación artística de la canción para componer. Christopher Nolan así desea que Zimmer use de una manera u otra canción no, no me arrepiento de nada de Edith PIAF para componer su OST. (Para los no iniciados, OST es el acrónimo de «banda sonora original» para «banda sonora original»).

Hans Zimmer ha reutilizado algunos no pasajes, no me arrepiento Cualquier cosa en su composición. Ha revelado que toda la banda original de la película se basaba en esta canción. De acuerdo con sus propias palabras, toda la música de la banda sonora está hecha de subdivisiones y multiplicaciones del tempo de la canción de Edith PIAF.

3) La intención artística de Zimmer

Ahora, ¿cuál ha sido la intención artística de Hans Zimmer? ¿Cuáles fueron sus deseos para él compondiera el tiempo? Para entenderlo, es necesario sobre todo poner la composición en contexto. De hecho, dado que es música cinematográfica, es necesario, sobre todo saber lo que la película le dice a entender las intenciones de Zimmer.

c Hay toda la diferencia con un Composición «libre». Debido a que en una composición libre, puede expresar absolutamente todo lo que desea, y la forma en que lo desea. Pero como una banda original apunta a vestir una película, ya tiene un entorno preestablecido. El compositor debe inspirar necesariamente para crear su trabajo. En otras palabras, las intenciones artísticas de Hans Zimmer tomarán la raíz en el escenario de interpretación.

Esta película está vinculada al tema del sueño. Zimmer quería transcribir todo este universo dentro de su composición. Esta es su intención artística: evocar el sueño y despertar emoción. Estas intenciones se encuentran en toda la canción. Por ejemplo, en la ligereza de la melodía compuesta (lo que analizaremos más tarde), o en el uso sistemático de la reverberación (es decir, para decir el efecto ECHO en los instrumentos).

4) Cómo ¿Explotar esta noción de intención artística en sus composiciones?

Como hemos visto, la noción de intención artística es capital para la música a la imagen, para que la canción pueda Apoyar el propósito de la producción audiovisual. (Ver incluso sublime).

¿Pero qué pasa con las composiciones gratuitas? Porque en casa, no tienes restricciones para respetar. Su composición no tiene que servir al propósito de un director.Entonces, ¿cuál es su manera de definir un marco?

Bueno, puede ser interesante hacer todo este trabajo de la intelectualización de antemano porque, por lo tanto, será más fácil de su bien. De hecho, al definir claramente sus intenciones artísticas desde el principio, obtendrá un hilo rojo para explotar durante toda la duración de su proceso de composición. Il vous sera alors plus facile de faire des choix entre plusieurs idées de développement musical, entre plusieurs grilles d’accords, entre plusieurs idées de mélodies etc…

Pensez-y ¡para la próxima vez! Este simple truco lo ayudará en gran medida a desarrollar tus canciones en su totalidad.

.iii / análisis armónico

en caso de tiempo, la cuadrícula armónica es muy simple:

el menor / menor / g mayor / re majeure

¡Y eso es todo! Estos cuatro acuerdos se repetirán implacablemente en toda la canción. Tenga en cuenta que uno está en presencia de una alternancia entre dos acuerdos menores y dos acuerdos importantes. Estaba muy bien jugado de Hans Zimmer, quien realmente nos hace dudar en la emoción que se siente. No es ni puramente feliz (mayor) o puramente triste (menor).

Otra cosa interesante, este conjunto de acordes puede tomar dos tonos diferentes. Estamos entre mi menor y el suelo principal:

esquema-tonalita-tiempo

qué Tiene el efecto de hacer borroso el centro tonal de la composición. No podemos establecer un tono definitivo. Hans Zimmer agrega aún más ambigüedad en cuanto al sentimiento que se siente atento a su compo. (Para tener bastante derecho en este análisis, se debe tener en cuenta que de hecho estamos aquí en presencia de una moda doriana. Tendremos la oportunidad de volver a esta noción de moda en un artículo futuro). Esta elección musical es una vez más lógica en comparación con el escenario de la película. Debido a que las escenas vestidas por el tema del tiempo son bastante tristes emocionalmente, mientras que la conclusión de la película (donde la compo está realmente completamente expuesta) refleja una emoción positiva.

¿Qué podemos recordar de todo esto? En primer lugar, que su composición siempre debe estar de acuerdo con sus intenciones artísticas. La elección de sus acordes no debe ser trivial: debe reflejar la emoción que desea transmitir. Luego, es muy fácil configurar una sensación de ambigüedad en una canción. Para hacer esto, utilizar acuerdos simultáneamente con varios tonos, y alternarse entre los acuerdos mayores y menores. ¿Y cuándo deberíamos traer de ambigüedad a sus composiciones? Simplemente cuando quiera expresar una sensación compleja, o crear un ambiente misterioso. También puede ser interesante usar esta técnica para componer secciones musicales como el puente. Debido a que el puente es por definición, una sección más propicia para los cambios y los experimentos. Para obtener más información sobre este tema, lo invita a consultar el artículo por Alex «la estructura de una canción».

.iv / análisis melódico

1) Análisis de la melodía

¡Vamos a la melodía! Aquí está:

Melodie-Time

tiene la imagen de los acordes, el Este último también es extremadamente refinado. La melodía está desprovista de adornos y simplemente sigue la cuadrícula armónica.

es interesante observar que la melodía está totalmente construida por la nota de pezle del acuerdo. Por ejemplo, la primera nota de la melodía es un hecho, proviene del acuerdo de la M (el, DO, MI), que se juega al mismo tiempo. Por otro lado, ninguna de las notas de la melodía corresponde a la tónica del acuerdo (es decir, en su primera nota). Esta elección no es trivial: esta técnica hace posible acentuar aún más la sensación de ambigüedad en cuanto al tono de la canción.

También notamos que la melodía es una Patrón de cuatro notas que se repiten. (Solo hay un pequeño cambio con el suelo que se convierte en la sexta medida). Esta es una excelente ilustración de la técnica de variación / repetición que Alex ya le había presentado en su artículo «los 5 secretos de una melodía exitosa».

Finalmente, sigue La articulación de la melodía, nos damos cuenta de que es solo una sucesión de movimientos ascendentes. Incluso diré más: es solo una sucesión de ascendente quinto (amarillo) y séptimo ascendente (en rojo).

intervalos de melodie

Uso Los intervalos ascendentes permiten respirar más energía a su composición. Subes, así que es más dinámico (lógico). Y los intervalos de quintes y séptimo son precisamente los más efectivos para reforzar la sensación de magnitud y plenitud. Intenta en tus composiciones y verás. ¡Efecto garantizado!

2) Simplicidad, el secreto de Hans Zimmer

Toda esta simplicidad está desconcertando para un trabajo tan poderoso como el tiempo, lo haces ¿no encontrar? La cuadrícula armónica y la melodía están muy limpias y, sin embargo, funcionan perfectamente. ¿Por qué? Bueno, es gracias a esta simplicidad.

ten cuidado: si la cuadrícula armónica y la melodía pueden parecer muy simples, no son simplistas por mucho. Seamos claros, hago una diferencia muy clara entre la simplicidad y el simplismo.

  • La simplicidad podría definirse como el carácter de una cosa que expresa todo lo que ella tiene Para expresar, pero en una forma más refinada posible. Se dice todo, con los más mínimos adornos posibles. El resto es solo superfluo. Cuando le explico este concepto de simplicidad, generalmente cito Miles Davis que lo resume perfectamente en una oración:

«Por qué juega tantas notas mientras solo Juega lo mejor? «

  • Simplismo por el contrario, es el carácter de una cosa demasiado simple. Es un trabajo en el que hay una falta de cosas. . Todo no se ha dicho. El trabajo omite algo esencial en lo que expresa, lo que afecta significativamente a su propósito.
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    Si escuchamos otros temas de Hans Zimmer (creo, entre otros al Caballero Oscuro, Interestelar, el Código Da Vinci, o más recientemente la Corona), esta forma recurrente de simplicidad a nivel de la rejilla de acordes y la melodía. Este enfoque es directamente desde el movimiento minimalista. . Y vamos a ser claros, es una receta que funciona muy bien, porque la simplicidad del trabajo P Emmet de ser accesible al número más grande (y ese es el propósito de un Blockbuster).

    En este sentido, aquí hay algunas preguntas para preguntarle si desea hacerlo. Sencillez a sus composiciones, sin caerse en el simplismo.

    • Pregúntele si el efecto / ornamento / adorno / la variación / «complicación» impresionante que tiene solo Encontrado realmente trae algo a tu música. ¿Hay un valor agregado real? Si no, Zap la idea. Si es así, vaya al siguiente punto:
    • ¿Cuál es la esencia de esta nueva idea? ¿Qué hace funcionar? Trate de mantenerlo solo el elemento central y eliminar el resto.
    • Mire su trabajo musical en su conjunto. ¿Qué cambia eso si simplifica tal o un elemento musical? Por ejemplo, si elimina este arpegio, este mantel extra, o este soplo de platillos … ¿Se desnaturaliza la compo? Trate de revisar todos los artículos que conforman su canción con este enfoque (acordes, melodía, ritmo, orquestación, etc.).

    desempaquete-leo

    .v / el ostinato

    1) ¿Qué es Ostinato?

    Ostinato es una composición musical Técnica de repetición obstinadamente de una fórmula rítmica, melódica o armónica. Esta fórmula suele ser corta, y se extiende a lo largo de la canción. Decir que de otra manera, tan pronto como tenga alguna forma de repetición dentro de su canción, usted está en presencia de un Ostinato. Finalmente, es bastante similar a la noción de «gancho» que Alex ya le había presentado en su artículo «Haz tus canciones inolvidables con el gancho».

    2) Los ostinatos en el tiempo

    Nos concentramos ahora en las diferentes formas de Ostinato Hiding en el tiempo.

    • En primer lugar, hay un ostinato en la cuadrícula armónica. De hecho, existen los mismos cuatro acuerdos que se repiten a lo largo de la canción.
    • Luego hay un ostinato en el nivel de melodía. Porque como hemos visto, la melodía está formada por un patrón de cuatro notas que se repiten.
    • También hay un ostinato rítmico en el nivel de percusión, ya que solo juegan con el bacalao
    • y, finalmente, desde el segundo minuto de la canción, hay un patrón arpegrado para la guitarra Eso se repite

    Todas estas repeticiones tomando la forma de ostinatos superpuestas, tienen el efecto de llevar a la canción una dimensión hipnótica. Si estamos tan cautivados al escucharlo, no es para nada: es precisamente gracias a todos estos elementos ocultos que actúan directamente sobre nuestro subconsciente. (Que cuelga este zimmer …). Este proceso es muy común en la composición (especialmente en el electro y el salto de viaje), y permite que la canción nos toque más profundamente. La canción es de efecto directamente a nuestro inconsciente, lo que hace que sea más inquietante y memorable. (Por cierto, las técnicas de hipnosis se basan exactamente en el mismo principio).

    .vi / orchestration

    1) El equilibrio entre simplicidad y complejidad

    Es muy difícil hablar de la música de Hans Zimmer sin aludir a su obra maestra de orquestación. Es su mayor fortaleza. Esta es esta importante orquestación que justifica esta ultra simplicidad en la escritura armónica, melódica y rítmica.

    Tengo muchas ganas de atraer que tenga cuidado con este concepto de equilibrio entre la simplicidad y complejidad. Es un esquema que se puede encontrar en muchos tipos. Por ejemplo, en Chopin, que usa solo un piano solo como material musical, y nos da la frase monumental de una gran virtuosidad, o en MeshuggAh para quien la ranura Djent es tan desestabilizadora, que no es suficiente que un riff reducido a 2 o 3 notas para enfatizarla. O incluso en la roca, donde la distorsión de las guitarras enriquece tanto el sello, que los acordes deben reducirse a simples potentes simples (un acorde de energía es un acuerdo al que se eliminó el tercero).

    Al escribir una canción, también intente respetar este principio. Por ejemplo, si acaba de encontrar una suite de acordes muy elaborados (lleno de arpege, variaciones, etc.) contrarrestar allí con una melodía simple (notas mantenidas). Si decides detener un solo de guitarra en medio de su canción, asegúrese de que otros instrumentos jueguen algo simple, etc. Su composición debe respetar absolutamente esta noción de yin y yang para ser homogéneo.

    2) La estructura orquestal

    ahora, veamos el Orquestación del tiempo estrictamente hablando. Propongo leer esta sección escuchando la música al mismo tiempo, antecedentes de entender lo que se desarrolla allí.

    intro

    Descripción: La introducción da la impresión de que la habitación comienza con un solo piano. Si bien, de hecho, este piano ya está acompañado por un bajo (muy bajo) que pulsa suavemente con la croche y una almohadilla muy discreta / seguida que se hace eco del piano. Todas estas opciones no son inocuas: el piano es el instrumento romántico por excelencia, que se refiere a la canción «No me arrepiento de nada», y el bajo y la almohadilla suenan muy ligeramente en una forma de acentuar el tema del sueño.
    Lo que puedes retirar: Encontramos nuevamente aquí las intenciones artísticas de Zimmer dentro de su orquestación. Para tener éxito en su orquestación, así que preste atención a la elección de sus instrumentos. Estos deben ser capaces de comunicar efectivamente sus intenciones artísticas.

    30 segundos

    Descripción: Después de 30 segundos De una exposición al tema simple, Hans Zimmer continúa repitiéndolo hasta el primer minuto con cuerdas que se duplican al unísono del tema principal. También notamos la apariencia en la parte inferior de una pulsación rítmica en el bajo que acompaña al bajo.
    Lo que puedes retirar: Aquí, Zimmer trae los instrumentos gradualmente. Esta técnica es un clásico en composición porque hace posible romper la monotonía de un patrón repetido. A menudo encontramos esta técnica en Electro: se juega un bucle, pero el oído no se cierra porque está enriquecido como y cuando los nuevos instrumentos.

    1 minuto 01

    Descripción: Desde allí, todo aumentará gradualmente en volumen y sello. El violonchelo y los cuernos vienen lentamente para dar más cuerpos a la armonía. Violines También ingreso para doblar los Altos en la octava y reforzar el tema principal, que proporciona una sensación de poder.
    Lo que puede retirar: Si desea traer más poder a su composición, no dude en usar esta técnica: doble el tema que se juega en la octava (ya sea con el mismo instrumento u otro).

    1 minuto 31

    Descripción: Todos se están intensificando gradualmente. Uno va de nuevo una muesca en la emoción. La dinámica va a Mezzo-Piano o Mezzo-Strong. Violins II Juega una contra-melodía discreta negra para dinamizar un poco de ritmo.
    Lo que puedes retirar: El trabajo de los tonos es muy importante en la orquestación. Jugar la misma melodía más fuerte puede ser suficiente para elevar la composición en intensidad.

    2 minutos 03

    Descripción : El percoce rítmico finalmente asume e introduce el pasaje. Se introduce una guitarra eléctrica un poco crujiente y distante y juega un arpegio. Este arpegio tiene la ventaja de dinamizar la música rítmica que fue casi solo una sucesión de acuerdos plateados hasta el momento. Los cuernos ahora toman un poco más de espacio y articulan más poderosamente.
    Lo que puede retirar: Jugar a una cuadrícula armónica de una manera diferente (por ejemplo, arpega) es una buena manera de traer de la diversidad en su composición.

    2 minutos 33

    Descripción: Estamos allí. La intensidad comienza a sentirse. Los cuernos ya no son el único latón, los clips de papel puntúan la caminata de Stac. Las cuerdas son aún más intensas, la articulación se profundiza. Y la orquestación todavía se está ampliando.
    Lo que puedes retirar: Cuanto más agregue instrumentos a su canción, y más acentúe la intensidad. Por lo tanto, sus pasajes más intensos deben ser aquellos que contienen la mayoría de los instrumentos.

    3 minutos 03

    Descripción : ¡Nada cambia pero sube de nuevo! Siempre más intenso. Siempre más profundo. Más instrumentos hacia los agudos y hacia los fuertes. Los cuernos sueltan y completan el tema con una especie de melodía en un clima débil. Llegamos al clímax del trabajo. El punto culminante de la intensidad.
    Lo que puedes retirar: es muy importante definir un punto culminante en tu canción. No solo lo ayudará a comunicar más emociones, sino que también hará que su composición sea más memorable (de la misma manera que recordará mejor una película si una de sus escenas lo ha marcado). ¿Cómo crear un punto culminante en su canción? Alex le brinda muchas pistas para llegar allí en su artículo «Hacer su memorable coro: instrucciones de uso».

    3 minutos 33

    Descripción: Y de repente … se desvanece. Algunas notas de la medición anterior son lentas para morir y ofrecernos una transición suave. Nos encontramos en su mayoría de música, este bajo que pulsa, este Piano Shemale y estos violines que respiran. El bucle es rizado.
    Lo que puedes retirar: Encontramos nuevamente la noción de equilibrio entre la simplicidad y la complejidad. Yin y yang. Después de los pasajes intensos, los pasajes elegantes.

    4 minutos 03

    Descripción: Ya no hay Izquierda que el piano recubierto en una reverberación flotante. Todo se desvanece como y cuándo concluir en una puntuación final en 4’33.
    Lo que puedes retirar: Este es el final de la canción. :)

    conclusión

    a través de esta orquestación , nos damos cuenta de que la estructura del tiempo está en Crescendo: la canción aumenta la intensidad y cuándo. Pero como la canción en sí es simple y repetitiva, todo este trabajo de montaje se realiza a través de la orquestación.

    La orquestación, por lo que constituye una segunda forma de expresarse musicalmente, y Ahí es donde toda la fuerza de Hans Zimmer.

    Todas las técnicas que hemos visto aquí ya pueden ayudarlo a comenzar su trabajo de orquestación. Pero si desea obtener más información sobre el tema, le aconsejo el excelente libro «Principios de la Orquestación» por Rimsky-Korsakov (atención, está en inglés). También puede echar un vistazo al video tutorial de Alex sobre el tema: «Orquestar su canción».

    Zimmer-Studio

    . El resumen ‘en breve!

    para terminar en estilo este artículo, propongo un resumen rápido de todas las técnicas que hemos visto, y que han sido utilizadas por Hans Zimmer. para componer tiempo.Por supuesto, le aliento más que calurosamente para reutilizar estas técnicas dentro de sus propias composiciones.

    • Puede ser interesante definir sus intenciones artísticas incluso antes de incluso a componer tu canción Defina tus metas en términos de composición: ¿Qué quieres expresar a través de tu canción? Este trabajo lo ayudará a obtener la rosca roja de su composición.
    • Para introducir una sensación de ambigüedad, cree una cuadrícula armónica compuesta de acuerdos Simultáneamente de varios tonos. También puede alternar entre los acordes mayores y menores.
    • Para componer una melodía, use notas de los acordes acompañantes. También use repeticiones (patrón de varias notas que se repiten) para promover la memorización. Finalmente, para crear una melodía resultante, asegúrese de que los intervalos que lo componen. (Y por el contrario, si desea componer una melodía triste, concéntrese en los movimientos descendientes).
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      • Piense la simplicidad para descifrar El impacto de tus composiciones. Trate de reducir los elementos que conforman su canción (melodía, acordes, orquestación) a su mínimo estricto. Dégagez simplement l’essentiel de votre composition.
      • Si vous voulez captiver votre audience, hypnotisez-les en utilisant des ostinatos au sein de votre canción. Estos Ostinatos pueden ser armónicos, melódicos o rítmicos.
      • cuando marca, tenga en cuenta la noción de equilibrio entre la complejidad y la simplicidad. Si marca algo complejo, controla por algo más sencillo. Si marca una sección intensa, enciéndala con una sección más tranquila para enfatizar aún más el efecto.
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        • Tomar un cuidado particular para elegir el Instrumentos de su orquestación. Estos deben transmitir sus intenciones artísticas de manera óptima.
        • para romper la monotonía de una de sus composiciones, no dude en traer múltiples instrumentos como y cuando. También puedes jugar una sección de música de otra manera. Por ejemplo, en lugar de hacer acordes chapados, hacer arpeges.
        • para montar su composición en intensidad, puede: Doble uno de sus temas En la octava, jugando en tonos, o aumentan el número de instrumentos.
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          • Finalmente, construye tus composiciones para que lleguen a un punto culminante .

          . ¡Y eso es para este análisis! Si le gustó, le propongo que realice una gira en mi :) encontrará entre otros:

          • Qué profundizar su conocimiento teórico
          • Métodos de trabajo para organizar y componer grandes obras más fácilmente
          • para mejorar sus técnicas de escritura para crear música que resuene con su audiencia
          • Qué tener un aspecto fresco en las cosas y desbloquear su inspiración
          • consejos para hacer el mao

          en cuanto a El análisis, por supuesto, con Alex, no tenemos ciencia infundida. Intentamos que nos proyectamos mejor en el espíritu de Zimmer, pero sabemos que aún permanece lleno de cosas que decir sobre su trabajo. Entonces, ¿tienes ideas para agregar? ¿Cuál es tu opinión sobre esta composición? ¿Este artículo le por favor? ¡Díganos a todos en los comentarios!

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          . Y para descubrir otros secretos de la composición …

          usted tiene mi método «componiendo su canción de un a Z «. 231 páginas que te explican de A a Z y paso a paso, el proceso de composición de una canción. Y aparentemente, parece que sería el libro de cabecera de Leonardo di Caprio y Hans Zimmer (a menos que sea solo ¿Un sueño?). :)

          componer su canción de A a Z

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